Me gusta porque tiene un sonido oscuro, electrónico y un poco sucio, con ese punto de desencanto y mala leche que hace que sea pegadiza sin sonar demasiado pop.
La cantante británica (cuyo nombre real es Charlotte Emma Aitchison) usaba ese seudónimo cuando era adolescente en la plataforma de mensajería MSN Messenger.
Era la manera en que firmaba sus textos y chats antes de iniciar su carrera musical.
Detrás de toda la fachada de chica mala que en “brat” lleva al extremo pero que siempre ha mostrado, hay en Charli un ser sensible y vulnerable, tan humano como tú o como yo. En el disco hay diferentes muestras de madurez,
En High Hopes de Pink Floyd una campana suena a lo lejos, mientras que en primer plano zumban unos insectos y, de pronto, mi cerebro vuela a una campiña inglesa para completar ese paisaje sonoro con la imagen de una antigua iglesia de piedra a mediodía, donde el calor de agosto amarillea un campo de trigo, en el que un enjambre de moscardones devoran el cadáver de un perro.
En The River, de Springsteen, esas primeras notas de armónica, agudas como púas de alambre, acompañadas por la guitarra acústica, me transportan en segundos a una mecedora que se balancea en el porche de una granja de algún condado sureño de los Estados Unidos, desde donde diviso la curva de un oscuro río en el que la desesperanza se desliza corriente abajo hasta la muerte (parafraseando a Manrique).
Son dos ejemplos del poder evocador que poseen algunas obras maestras de la música de nuestro tiempo y, sin duda, en esa categoría también debemos incluir esta maravilla de Ornella Vanoni, L’appuntamento. En ella, un arpegio de solo tres notas de guitarra, repetido muchas veces como las cuentas de un rosario, consigue llevarme al andén de una estación de tren de un pequeño pueblo italiano, donde una mujer mayor, sentada en un banco y vestida de domingo, como la Penélope de Serrat, espera en vano a que su amado llegue a la cita. Mientras lo espera, rememora los desengaños de su vida, asume que esta es la última oportunidad que tendrá para coger el tren que la aleje de la soledad … y de pronto, ¡oh! cree verlo entre la multitud, pero no: sospechamos que ese evanescente personaje solo es fruto de su imaginación o de un antiguo recuerdo idealizado, y no puede evitar sentir una pena infinita por ella, mientras la oigo cantar con su voz ajada, casi recitar, como una letanía, que si él no acude a la cita, ella no existe, no existe, no quiere existir ya más…
El tren pasa de largo, la música funde a negro hasta desaparecer y solo la voz de la mujer queda suspendida en el aire, como el lamento de una sirena huérfana de mar.
El destino de Bryan Estepa como cantante y compositor estaba escrito mucho antes de que fuera capaz de sostener en sus manos una guitarra acústica. “Recuerdo a mi madre y mis tíos tocando y cantando canciones de los Beatles y de Simon y Garfunkel cuando yo era un crío”, dice Estepa. “Ya a los 6 ó 7 años, la música tenía un enorme significado para mí”.
Pieza clave en el circuito “indie” de Sydney desde mediados de los noventa, Estepa fue dando forma a su talento como compositor en numerosas bandas, desde el power-pop de Swivel (1998 – 2000) hasta el pop psicodélico de Hazey Jane (2004 – 2005).
Pero fue durante una estancia en Estados Unidos cuando, descubriendo la música de gente como Elliot Smith o Whiskeytown, recuperó su interés por la guitarra acústica, y regresó a casa decidido a emprender su propia carrera en solitario.
Papa John Creach (John Henry Creach) fue un legendario violinista estadounidense de blues y rock, famoso por introducir el violín eléctrico en la música psicodélica de los años 70. Nació el 28 de mayo de 1917 y falleció el 22 de febrero de 1994. Grabó varios álbumes propios bajo el sello Grunt Records, mezclando acid rock, pop y blues tradicional.
Se convirtió en un puente cultural único entre los músicos de jazz tradicionales y la joven generación del rock de San Francisco. Tocó jazz, música clásica, R&B y blues en bares durante décadas antes de ser descubierto por el gran público. En 1970, con más de 50 años de edad, el baterista Joey Covington lo invitó a unirse a la famosa banda de rock psicodélico Jefferson Airplane. Fue miembro fundamental de bandas icónicas como Hot Tuna y Jefferson Starship, aportando un sonido conmovedor y enérgico.
Fue miembro fundamental de bandas icónicas como Hot Tuna y Jefferson Starship, aportando un sonido conmovedor y enérgico.
Jefferson Airplane fue una banda de rock psicodélico de San Francisco ligada al LSD y al llamado Rock ácido de California.
Su época dorada fue del 65 al 72 ,cuando se disolvieron, con éxitos importantes como White Rabbit y Somebody to love su álbum del 67.
Surrealista Pillow sigue siendo de culto y un éxito de ventas.
Luego vendrían otras obras maestras como Volunteers,Crown of creation y After Bathing at Baxters.
.Habia dos almas en el grupo,Grace Slick y Paul Kantner por un lado que acabaron fundando Jefferson Starship y por otro lado Jorma Kaukonen y Jack Casady que crearon Hot Tuna,otro grupo espléndido pero alejado del sonido jefferson.
.Otros miembros destacados fueron Marty Balín,fundador del grupo, y el estupendo violinista Papa John Creach que tocó con ellos en los álbumes Bark y Long John Silver y en el espléndido álbum Dragón Fly de Jefferson Starship.volvieron en 1989 con éxito menor.
Grabaron solo un disco más y se disolvieron.en 1996.
Fueron incluidos en el Salón de la fama del Rock and Roll.
Discazo, discazo, discazo. Mucha seriedad, señores, la de este trabajo de Erik Voeks, y que desde su edición allá por el 93 (Rockville Records) ha aglutinado una buena parroquia de fieles seguidores, gente de buen gusto y, curiosamente, bastante pro-activa en esto del rock.
Me vienen a la cabeza ahora Juan L. Ferrari, guitarra de Clovis (y con nutrido historial a su espalda, Los Brujos incluidos), la gente de Love to Art / Bittersweet (David & Tomás), los Shannons... Tipos con clase, como la que derrocha este tratado de pop quintaesencial, lleno de temazos imbatibles, canciones en estado puro.
Cuando apareció es obvio que la peña estaba en otras cosas: los rescoldos del Grunge, las riot-girls, Primal Scream...
Casi nadie estaba por la labor de dedicar tiempo y dinero a ese pequeño contingente de artesanos de la melodía, juanpalomos de la composición capaces de sacar adelante un disco con cuatro duros y un puñado de compinches que ayudaran a dar forma a canciones perfectas.
Seguro que por todo esto al final "Sandbox" pasó desapercibido, de hecho ni siquiera fue fácil de conseguir entonces, cuando no teníamos ni amazons ni buscadores google para escrutar el supermercado global. El caso es que el tiempo lo ha puesto en su sitio.
Como lo que es, uno de los mejores discos de cantautor pop de la década de los 90, en el que destaca la sobresaliente producción de Voeks, Pat Hawley y -claro- Adam Schmitt, en la que las guitarras (algunas a cargo del ex-Wilco Jay Bennet, ¡qué pequeño es el mundo!) mandan con gran savoir faire, sin aturullar , y la cercana voz de Erick Voeks seduce como si de un clásico de los 60 se tratara.
Este blog es un lugar bajo el Sol donde cobijarse, en el que la amistad es lo más grande de mundo.
Está dedicado al amor que es el carburante de nuestros corazones.
Pasen y vean!
Agradezco a Youtube y a Microsoft todo el interés que han demostrado en la creación de este blog.
