This Fire of Autumn nos lleva a un universo sonoro de elegante melancolía y de oscura sensualidad
Tindersticks han construido un estilo muy personal, difícil de encasillar, que combina pop de cámara, soul, jazz, y variados estilos. Su música no busca deslumbrar por la velocidad ni por la exuberancia, sino crear atmósferas, sugerir historias y dejar que las emociones respiren.
En el centro de ese universo está la voz de Stuart A. Staples, grave, áspera y aterciopelada a la vez. Canta como quien confiesa algo en voz baja, con una mezcla de cansancio, intimidad y dignidad que parece esconder siempre una historia vivida.
Most of the time, incluida en el álbum Oh Mercy de 1989 fue estrenada en directo durante la gira que Bob Dylan emprendió aquel otoño por algunas ciudades de la costa este estadounidense y de la que destaca la interpretación en el concierto del 12 de octubre en Nueva York, junto con G.E. Smith a la guitarra; Tony Garnier, bajo, y Christopher Parker, a la batería, una banda elemental.
Most Of The Time', Bob Dylan nos sumerge en una reflexión profunda sobre la resiliencia emocional y la lucha interna que acompaña a la superación de una relación pasada. La canción, con su tono melancólico y su lírica introspectiva, explora la dualidad entre la aparente fortaleza y la vulnerabilidad subyacente del narrador. A lo largo de la letra, Dylan repite la frase 'Most of the time' (La mayoría del tiempo), sugiriendo que, aunque el narrador se esfuerza por mantener una fachada de estabilidad y control, hay momentos en los que la pérdida y el dolor resurgen con fuerza.
El uso de metáforas y descripciones detalladas en la canción es notable. Dylan habla de mantener 'ambos pies en el suelo' y 'seguir el camino', lo que simboliza su intento de mantenerse firme y avanzar en la vida. Sin embargo, la repetición de que 'la mayoría del tiempo' puede manejar la situación, pero no siempre, revela una lucha constante con los recuerdos y las emociones no resueltas. La canción también aborda la confusión y la ilusión, indicando que el narrador se esfuerza por no dejarse llevar por fantasías o pensamientos que puedan desestabilizar su aparente calma.
La canción también toca temas de identidad y autoengaño. El narrador menciona que no se engaña a sí mismo ni se esconde de sus sentimientos, lo que sugiere un esfuerzo consciente por enfrentar la realidad, aunque sea dolorosa. Sin embargo, la insistencia en que 'la mayoría del tiempo' no piensa en ella o no le importa si la vuelve a ver, insinúa que hay momentos en los que estos sentimientos reprimidos emergen. Esta lucha interna entre el deseo de olvidar y la persistencia del recuerdo es el núcleo emocional de la canción, haciendo de 'Most Of The Time' una exploración honesta y conmovedora de la condición humana.
Publicada en 1984 por The Smiths, con letra de Morrissey y música de Johnny Marr, es una de las canciones que mejor representan la mezcla de melancolía, humor negro e ironía del grupo.
La canción retrata a una persona profundamente insatisfecha con su vida. No se trata necesariamente de una gran tragedia, sino de algo más cotidiano: levantarse cada día, cumplir con las obligaciones, relacionarse con otras personas y sentir que nada de eso proporciona verdadera felicidad.
El protagonista parece atrapado en una existencia que no le satisface.
Hay tres ideas fundamentales:
La infelicidad cotidiana: el trabajo, las relaciones sociales y las obligaciones se convierten en fuentes de frustración.
La soledad emocional: estar rodeado de gente no significa sentirse comprendido ni acompañado.
La ironía de la felicidad: el protagonista parece preguntarse por qué la vida resulta tan decepcionante cuando, en teoría, debería hacernos felices.
La gran paradoja: ¿por qué somos desgraciados?
Uno de los aspectos más interesantes de la canción es que el protagonista no parece tener una respuesta clara a su infelicidad.
No está describiendo necesariamente una catástrofe concreta. Más bien expresa esa sensación de que la vida que uno lleva no se corresponde con la que había imaginado.
Morrissey consigue que esa tristeza resulte también divertida.
El personaje se lamenta de su situación, pero lo hace con una exageración tan mordaz que terminamos sonriendo.
La canción convierte el sufrimiento personal en una especie de comedia negra.
I was happy in the haze of a drunken hour But heaven knows I'm miserable now I was looking for a job and then I found a job And heaven knows I'm miserable now
In my life, why do I give valuable time To people who don't care if I live or die?
Two lovers entwined pass me by And heaven knows I'm miserable now I was looking for a job and then I found a job And heaven knows I'm miserable now
In my life, oh, why do I give valuable time To people who don't care if I live or die?
What she asked of me at the end of the day Caligula would have blushed "Oh, you've been in the house too long, " she said And I naturally fled
In my life, why do I smile At people who I'd much rather kick in the eye?
I was happy in the haze of a drunken hour But heaven knows I'm miserable now "Oh, you've been in the house too long, " she said And I naturally fled
Me gusta porque tiene un sonido oscuro, electrónico y un poco sucio, con ese punto de desencanto y mala leche que hace que sea pegadiza sin sonar demasiado pop.
La cantante británica (cuyo nombre real es Charlotte Emma Aitchison) usaba ese seudónimo cuando era adolescente en la plataforma de mensajería MSN Messenger.
Era la manera en que firmaba sus textos y chats antes de iniciar su carrera musical.
Detrás de toda la fachada de chica mala que en “brat” lleva al extremo pero que siempre ha mostrado, hay en Charli un ser sensible y vulnerable, tan humano como tú o como yo. En el disco hay diferentes muestras de madurez,
En High Hopes de Pink Floyd una campana suena a lo lejos, mientras que en primer plano zumban unos insectos y, de pronto, mi cerebro vuela a una campiña inglesa para completar ese paisaje sonoro con la imagen de una antigua iglesia de piedra a mediodía, donde el calor de agosto amarillea un campo de trigo, en el que un enjambre de moscardones devoran el cadáver de un perro.
En The River, de Springsteen, esas primeras notas de armónica, agudas como púas de alambre, acompañadas por la guitarra acústica, me transportan en segundos a una mecedora que se balancea en el porche de una granja de algún condado sureño de los Estados Unidos, desde donde diviso la curva de un oscuro río en el que la desesperanza se desliza corriente abajo hasta la muerte (parafraseando a Manrique).
Son dos ejemplos del poder evocador que poseen algunas obras maestras de la música de nuestro tiempo y, sin duda, en esa categoría también debemos incluir esta maravilla de Ornella Vanoni, L’appuntamento. En ella, un arpegio de solo tres notas de guitarra, repetido muchas veces como las cuentas de un rosario, consigue llevarme al andén de una estación de tren de un pequeño pueblo italiano, donde una mujer mayor, sentada en un banco y vestida de domingo, como la Penélope de Serrat, espera en vano a que su amado llegue a la cita. Mientras lo espera, rememora los desengaños de su vida, asume que esta es la última oportunidad que tendrá para coger el tren que la aleje de la soledad … y de pronto, ¡oh! cree verlo entre la multitud, pero no: sospechamos que ese evanescente personaje solo es fruto de su imaginación o de un antiguo recuerdo idealizado, y no puede evitar sentir una pena infinita por ella, mientras la oigo cantar con su voz ajada, casi recitar, como una letanía, que si él no acude a la cita, ella no existe, no existe, no quiere existir ya más…
El tren pasa de largo, la música funde a negro hasta desaparecer y solo la voz de la mujer queda suspendida en el aire, como el lamento de una sirena huérfana de mar.
El destino de Bryan Estepa como cantante y compositor estaba escrito mucho antes de que fuera capaz de sostener en sus manos una guitarra acústica. “Recuerdo a mi madre y mis tíos tocando y cantando canciones de los Beatles y de Simon y Garfunkel cuando yo era un crío”, dice Estepa. “Ya a los 6 ó 7 años, la música tenía un enorme significado para mí”.
Pieza clave en el circuito “indie” de Sydney desde mediados de los noventa, Estepa fue dando forma a su talento como compositor en numerosas bandas, desde el power-pop de Swivel (1998 – 2000) hasta el pop psicodélico de Hazey Jane (2004 – 2005).
Pero fue durante una estancia en Estados Unidos cuando, descubriendo la música de gente como Elliot Smith o Whiskeytown, recuperó su interés por la guitarra acústica, y regresó a casa decidido a emprender su propia carrera en solitario.
Este blog es un lugar bajo el Sol donde cobijarse, en el que la amistad es lo más grande de mundo.
Está dedicado al amor que es el carburante de nuestros corazones.
Pasen y vean!
Agradezco a Youtube y a Microsoft todo el interés que han demostrado en la creación de este blog.
