" Wild World " habla de la tristeza de despedirse de alguien querido.
Expresa el miedo y la preocupación por una persona que comienza una nueva etapa de su vida. Su letra transmite cariño, nostalgia y el deseo de proteger a quien se marcha..
La melodía acústica y suave hace que la canción sea emotiva y fácil de recordar. En definitiva, es una canción sobre el amor, las despedidas y las dificultades de enfrentarse a un mundo complicado.
Wild World» es una canción escrita y grabada por el músico británico Cat Stevens, original del álbum Tea for the Tillerman de 1970.
Publicada como sencillo ese mismo año, logró ubicarse en la posición n.º 11 en la lista Billboard Pop Singles estadounidense.[]
Actualmente EE UU niega la entrada a Cat Stevens por aparecer en una lista de presuntos terroristas.
El artista se convirtió al Islam en 1971 (actualmente se llama Yusuf Islam), dejó el mundo artístico y fundó una escuela de enseñanza del Islam en Londres
A lo largo de su vida, Prince reiteró su profunda admiración por compositores que desafiaban las barreras de los géneros musicales:
"Help Me" y todo el álbum The Hissing of Summer Lawns – Joni Mitchell: Prince era un fanático confeso de Joni. Llegó a escribirle cartas de admiración cuando era joven y solía incluir fragmentos de "A Case of You" en sus propios conciertos de piano.
"That's the Way of the World" – Earth, Wind & Fire: Destacaba este álbum y su canción principal como una de las estructuras rítmicas y espirituales más perfectas de la música americana.
"Machine Gun" – Jimi Hendrix: Aunque a veces le molestaba que lo compararan constantemente con él, Prince admiraba profundamente el virtuosismo crudo de esta pieza de Hendrix.
"Starfish and Coffee" (Inspiración en Sly Stone): Aunque es un tema propio, Prince siempre declaró que su sonido e ideales se moldearon directamente escuchando el álbum Fresh de Sly and the Family Stone.
"Rock Steady" de Aretha FranKlin era uno de sus temas favoritos.
"Tell Me Something Good" – Chaka Khan: El funk y el soul vocal de los años 70 eran pilares para él. De hecho, terminó componiendo éxitos masivos para la propia Chaka Khan más adelante (como "I Feel for You").[
Adelmo Fornaciari (Zucchero) es uno de los grandes referentes del blues rock italiano desde los años ochenta. Su carrera despegó con álbumes como Blue’s (1987) y el soberbio Oro, incenso e birra (1989), que lo consagraron internacionalmente.
Su estilo mezcla blues, rock, soul y góspel con melodías y sensibilidad mediterráneas.Su voz ronca y expresiva y su intensidad interpretativa son inconfundibles.
Su prestigio le ha valido colaboraciones con la flor y nata de la música contemporánea..
Abraham Vila es uno de los colaboradores más activos del blog musical LEMONPOP LEMONTREE
Sus publicaciones suelen centrarse en reseñas musicales detalladas de bandas de pop y rock alternativo, analizando tanto lanzamientos recientes como la trayectoria de grupos clásicos y de culto.
Algunas de sus aportaciones y enfoques recientes incluyen:
Crítica de novedades discográficas: Ha escrito artículos analizando trabajos como los de la banda de post-punk y jangle pop británica The Tubs.
Análisis analógicos y comparativas: En sus textos suele profundizar en el estilo de los compositores, valorando la evolución de las bandas (como sus artículos dedicados a las distintas facetas de creadores dentro de bandas icónicas como Teenage Fanclub).
Estilo cercano y melómano: Sus textos se caracterizan por una perspectiva muy personal y apasionada, dirigiéndose directamente al público fiel e independiente que sigue la bitácora.
Loreena Mckennitt es una cantante, pianista y arpista canadiense con raíces escocesas e irlandesas.
Interprete universal en el entorno de la música celta.Enamorada de España,su despegue internacional fue en los 90 y su disco The Mask and the Mirror marca un hito en su carrera y lo ha vuelto a grabar y editar recientemente en directo. Despues de discos espléndidos como The book of secrets y An ancient muse.
Edito otra de las cimas de su carrera, en directo en La Alhambra, en 2006,con un grupo excepcional y esa voz única.
En 2010,vuelve a sus raíces más celtas con The wind that shakes the barley,y tras un periodo largo ,con actuaciones en directo por todo el mundo y un viaje a la India,edita en 2018,
Lost souls,su último disco en estudio.
Artista genial e irrepetible. Aún recuerdo su actuación en los 90, en el auditorio de Santiago.
Malcolm Scarpa: uno de los grandes olvidados de la música española.
Hay músicos que llenan estadios y otros que, lejos de los focos, van construyendo su propio camino y dejando huella en quienes tienen la suerte de cruzarse con su música. Malcolm Scarpa pertenece a este segundo grupo. Más que un artista maldito, fue un músico olvidado, ajeno a las modas y a las reglas del mercado, que prefirió hacer las cosas a su manera antes que renunciar a su libertad creativa.
El éxito nunca estuvo de su lado, pero eso no le impidió levantar una obra tan personal como inclasificable. Nos dejó demasiado pronto, aunque su música sigue ahí, esperando a que alguien la descubra.
.Empezó tocando en el metro de Madrid y terminó construyendo un universo sonoro inmenso. Muchos lo encasillaron en el blues —sobre todo por sus conciertos con el armonicista Ñaco Goñi—, pero Malcolm era mucho más que eso.
En sus discos puedes saltar de un pop sesentero súper luminoso al estilo de los Kinks, a la psicodelia, el jazz o el folk británico. Joyas de los noventa como “You
u shine on me” son una buena muestra de cómo hacer canciones redondas sin necesidad degrandes medios ni artificios.
Si nunca lo has escuchado, ya estás tardando en darle al play para catarlo!
Cuando participó en el célebre programa de la BBC, Desert Island Discs, Gilmour eligió los temas que se llevaría a una isla desierta para evitar la locura.
"Waterloo Sunset" – The Kinks: La colocó en el puesto número uno de su lista personal.
"Ballad In Plain D" – Bob Dylan: Destacó que le apasionaba este lado más íntimo y profundo de Dylan.
"I'm Still Here" – Tom Waits: Una de sus elecciones de catálogo más contemporáneo.
"Dancing in the Street" – Martha and the Vandellas: Explicó que la eligió porque "necesitaba algo de música de baile" para acompañarlo en la playa.
“Crazy Love” de Nick Cave y Warren Ellis es una canción magnífica, aunque hay una pequeña precisión: la versión más conocida de esta composición es la que interpreta Marianne Faithfull en su álbum Before the Poison (2004), con la colaboración de Nick Cave. Warren Ellis aporta unos arreglos de cuerda especialmente hermosos.
La interpretación de Marianne Faithfull es extraordinaria
Su voz rota, grave y áspera parece contar una historia vivida en primera persona. No necesita cantar con potencia: transmite la sensación de alguien que ha conocido el amor en sus versiones más dolorosas y todavía conserva cierta esperanza.
La crítica destacó precisamente cómo su interpretación transforma la canción en una reflexión poética sobre el amor y la experiencia vital.
Warren Ellis aporta la belleza dentro de la oscuridad
Los arreglos de cuerda introducen una dimensión casi cinematográfica. El violín no funciona como mero acompañamiento: parece expresar aquello que la voz no puede decir.
Es una de esas combinaciones en las que la instrumentación consigue que una canción melancólica resulte también extrañamente reconfortante.
Odiado por todos y a donde quiera que vaya
Hated by all and everywhere he goes Despreciando la vida humana y mintiendoBlazing contempt for human life and lies Asesinato como arte y lo que sabe, lo sabeMurder as art and what he knows he knows De la vida y el miedo en los ojos de los demásfrom life and fear in other people's eyes El amor loco está por todas partesCrazy love is all around me
El amor es loco, el amor es amableLove is crazy love is kind Pero sé de alguna manera que me encontrarásBut I know somehow you'll find me El amor es loco, el amor es ciegoLove is crazy love is blind
Ella camina por el bulevar sin preocuparseShe walks the boulevard without a care Sabiendo demasiado pero habiendo llegado tan lejosKnowing too much but having come so far Fingiendo que la vida es solo un juego que juegas por nadaPretending life is just a game you play for nothing Sin amar a nadie y a ningún lugarLoving no-one and no-where
El amor loco está por todas partesCrazy love is all around me El amor se vuelve loco con el tiempoLove goes crazy given time Pero sé de alguna manera que me encontrarásBut I know somehow you'll find me El amor es loco, el amor es ciegoLove is crazy love is blind
Ella parece estar esperando una sorpresaShe looks as if expecting a surprise Quizás un encuentro que cambiará su vidaMaybe an encounter that will change her life Sin saber distinguir entre caliente y frío, o lo bueno de lo maloNot knowing hot from cold or good for bad Si la vida es solo una broma o si la entristeceIf life is just a joke or if it makes her sad
El amor loco está por todas partesCrazy love is all around me El amor es loco, el amor es amableLove is crazy love is kind Pero sé de alguna manera que me encontrarásBut I know somehow you'll find me El amor es loco, el amor es ciegoLove is crazy love is blind
El amor loco está por todas partesCrazy love is all around me El amor se vuelve loco con el tiempoLove goes crazy given time Pero sé de alguna manera que me encontrarásBut I know somehow you'll find me El amor es loco, el amor es ciegoLove is crazy love is blin
Imán Califato independiente fue un grupo del denominado Rock Andaluz,con grupos como Gong,pioneros,Triana,Alameda, y otros.
,fue fundado en los años setenta,por Iñaki Engaña,con influencias hindúes ,brasileñas y del rock sinfónico y rock progresivo.
Hay guiños al sonido Canterbury,incluso a Weather Report.solo produjeron dos álbumes,a cual mejor,y uno póstumo,conmemorativo de los 30 años.
El primero contiene una de las cumbres del rock andaluz,el tema tarantos,con múltiples influencias,y el segundo contiene una obra maestra,camino del águila,,imprescindible.
En 1981,el teclista Marcos Mantero y el guitarrista Manuel Rodriguez abandonaban el grupo con un nuevo proyecto.en 2006 editan álbum póstumo y actuación conmemorativa.
.En 2013 fallece Marcos Mantero ,retirado de la música y dedicado a la medicina.
Cada cual tiene su debilidad y este álbum es la mía.
A la pregunta tópica de que disco me acompañaría a una isla desierta no dudaría en decir que este.
En pleno declive moral, con la puñalada de su divorcio clavada a su espalda, Dylan se desnuda y no sólo sentimentalmente si no también en lo musical (la mayor parte del disco está grabado sin batería).
Demuestra que es el más mortal de los mortales y que la tristeza y el sufrimiento alimentan las grandes obras. Disco MUY RECOMENDABLE. Escúchalo ya!
Se llama, como no podía ser de otra forma: "Blood On The Tracks".
El nuevo disco de Teenage Fancub me dejó algo frío.
Tiene dos o tres buenos temas de aire folkie pero en conjunto se me hizo pesado
Desde la salida de Gerard Love no han conseguido dar con la tecla adecuada
Y esto me lleva a escuchar Starships, el proyecto que puso en marcha Gerard Love hace una década con gente de Belle & Sebastian ,The pastels, etc, que, ese sí, emociona desde la primera canción.
: Lástima que lanzasen un solo disco
Norman Blake y Gerard Love son dos de los músicos y compositores más emblemáticos de la escena del pop/rock alternativo británico, reconocidos principalmente por haber sido miembros clave de la aclamada banda escocesa Teenage Fanclub.
1. La era Teenage Fanclub
Junto a Raymond McGinley, Norman Blake y Gerard Love formaron el tridente fundamental de compositores de Teenage Fanclub. La dinámica del grupo era democrática y característica: dividían los temas de sus discos casi a partes iguales entre los tres compositores.
Norman Blake: Conocido por su voz cálida, su carisma en el escenario y por componer algunos de los temas más melódicos e himnos del grupo (como "Concept", "The Concept", "Mellow Doubt" o "Sparky's Dream").
Gerard Love (Gerry Love): Bajista y cantante, creador de varias de las melodías más luminosas y memorables de la banda (como "Ain't That Enough", "Sparky's Dream" / cortes melódicos de álbumes como Bandwagonesque y Grand Prix, "Don't Look Back" o "Star Sign").
Juntos ayudaron a moldear el sonido característico de Teenage Fanclub durante casi tres décadas: una mezcla de jangle pop, armonías vocales al estilo de The Byrds o The Beach Boys y guitarras distorsionadas de la escuela de Big Star.
2. La salida de Gerard Love (2018)
En 2018, tras casi 30 años juntos y álbumes fundamentales como Bandwagonesque (1991), Grand Prix (1995) y Songs from Northern Britain (1997), Gerard Love decidió dejar Teenage Fanclub. La separación se produjo de forma amistosa debido a discrepancias sobre las giras internacionales a larga distancia (en países como Japón o Australia), las cuales Love prefería evitar.
3. Proyectos paralelos y trayectoria posterior
Ambos músicos han participado activamente en otros proyectos fuera de Teenage Fanclub:
Gerard Love:
Lanza música bajo el seudónimo Lightships (con el álbum Electric Cables en 2012).
Ha colaborado con bandas como Pastels y realiza presentaciones en solitario o participaciones especiales en directo.
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Norman Blake:
Continúa al frente de Teenage Fanclub junto a Raymond McGinley.
Forma parte del súper-grupo The New Multinational Variety Show / Jonny (junto a Eurochild/Euros Childs de Gorky's Zygotic Mynci).
Ha formado proyectos colaborativos como Butler, Blake & Grant (junto a Bernard Butler de Suede y James Grant de Love and Money).
He decidido estrenarme en el blog con un tema que se sale de lo común y de la música que habitualmente escucho: AN ENDING (ASCENT) de BRIAN ENO.
Creo que es el tema más etéreo, delicado e inmaterial que existe.
Forma parte del álbum Apollo: Atmospheres and Soundtracks, producido por Brian Eno, Daniel Lanois y Roger Eno (hermano de Brian). Fue publicado el 29 de julio de 1983 por EG Records.
La música fue compuesta originalmente para un documental sobre el programa Apolo, *For All Mankind*, aunque dicho filme no se estrenó hasta 1989. La música fue compuesta e interpretada por el trío.
FAMILY " UN SOPLO EN EL CORAZÓN " es un nombre mítico dentro de la historia del pop español de todos los tiempos.
Y ese status lo consiguen con tan sólo un álbum, un disco perfecto de principio a fin que recogía influencias como las guitarras de Johnny Marr (THE SMITHS), las líneas de bajo melódicas de Peter Hook (NEW ORDER), la elegancia sintética de PET SHOP BOYS, el estilo de Carlos Berlanga (y su admirado Antonio Carlos Jobim).
Una auténtica obra maestra que no necesitó de grandes campañas de promoción: de hecho, FAMILY apenas concedieron entrevistas, no se dejaron fotografiar y no actuaron en directo.
El mejor disco en español de los noventa con 14 canciones perfectas. Puedo cantar cada canción de memoria. En realidad un discazo. De esos 4 o 5 que te acompañarán toda la vida. Lo he regalado varias veces, deseando en el fondo, que se enamoren de mí escuchándolo. Un soplo en el corazón es perfecto y fácil, el disco que ha soportado (y soportará) tantas reproducciones dentro de mis oídos.
Hace años se editó un disco en homenaje a Family,venía con la edición aniversario de la revista Rock Delux, en él están los grupos españoles más representativos del indie español (Los Planetas, La Buena Vida, Chucho,La Casa Azul etc.)que versionean los temas del mejor disco del pop español de los 90's (yo lo tengo y Theluros también y es una maravilla).
Family oficialmente sólo publicó, a través de Elefant Records, el disco Un Soplo En El Corazón (1993), cuyo título está inspirado en la película Le Souffle Au Cœur de Louis Malle.
Una auténtica obra maestra. A pesar de la gran acogida que tuvo el disco por parte de la crítica Family no hizo promoción del mismo. Luego se produjo la disolución del del grupo. Aramburu se convirtió en un solicitado diseñador de carátulas de discos.
UN SOPLO EN EL CORAZÓN nace y muere sin lecturas intermedias. Lo contrario sería romper el cristal en mil pedazos.Con unas canciones que deslumbran con su sinceridad, su falta de malicia, su pureza y su amor. creo que ahí es donde reside la grandeza de este grupo.
Destaca como uno de los sencillos más enérgicos y memorables del quinto álbum de Interpol, El Pintor.
Su ritmo cabalgante y sus guitarras melancólicas capturan a la perfección la esencia del post-punk revival que define a la banda neoyorquina.
Con una letra nostálgica escrita por Paul Banks en Buenos Aires, el tema combina una atmósfera sombría con una fuerza instrumental vibrante.
La canción logró un notable éxito comercial en las listas de rock alternativo, consolidándose rápidamente como una pieza imprescindible en sus conciertos.
Caminando con Mike por el magnífico paseo marítimo de Portofino, resguardados bajo nuestros sombreros panameñosy vistiendo desenfadadas camisetas a rayas, nos dejamos envolver por la auténtica dolce vita.
De repente, las notas de una preciosidad de canción comenzaron a flotar en el aire, escapando de una vieja jukebox en un café modernista frente al mar. Aquella melodía parecía sintonizar a la perfección con el paisaje de fachadas coloridas y yates meciéndose en el agua turquesa.
Fue un instante mágico de desconexión absoluta, una verdadera maravilla de vida italiana y hedonismo a raudales que se nos quedó grabada en el corazón.
Dalida está magnífica: elegante, sensual y, sobre todo, con ese punto de cansancio y desencanto que hace que la canción funcione.
Delon no canta realmente: recita. Y precisamente ahí está parte de la gracia. Su voz grave y seductora contrasta muchísimo con Dalida.
El diálogo es genial: él se deshace en declaraciones románticas y ella le contesta, en esencia, “todo eso son palabras”. Es casi una pequeña escena teatral.
Musicalmente tiene un aire bossa nova/chanson, suave y elegante, que ha envejecido sorprendentemente bien.
Se convirtió en uno de los grandes clásicos de Dalida y tuvo enorme éxito internacional.
Lo que más me gusta es que no es simplemente una canción romántica: tiene bastante ironía y un punto de mala leche. Delon representa al seductor que habla maravillas y Dalida a la mujer que ya no se deja impresionar..
Powerpop sin pretensiones con influencias que van de los Beach Boys a Weezer , pasando por los Ramones y los Nikis.
Airbag juegan con la idea de las falsas despedidas en «Gira de Despedida», del último álbum, que llega con el título de Una Extraña Fuerza.
La banda ironiza sobre una de las grandes tradiciones de la industria musical contemporánea: anunciar el final para generar expectación, nostalgia, cobrar una pasta por las entradas y una última oleada de fervor entre el público, sabiendo que casi siempre llega un regreso posterior.
This Fire of Autumn nos lleva a un universo sonoro de elegante melancolía y de oscura sensualidad
Tindersticks han construido un estilo muy personal, difícil de encasillar, que combina pop de cámara, soul, jazz, y variados estilos. Su música no busca deslumbrar por la velocidad ni por la exuberancia, sino crear atmósferas, sugerir historias y dejar que las emociones respiren.
En el centro de ese universo está la voz de Stuart A. Staples, grave, áspera y aterciopelada a la vez. Canta como quien confiesa algo en voz baja, con una mezcla de cansancio, intimidad y dignidad que parece esconder siempre una historia vivida.
Most of the time, incluida en el álbum Oh Mercy de 1989 fue estrenada en directo durante la gira que Bob Dylan emprendió aquel otoño por algunas ciudades de la costa este estadounidense y de la que destaca la interpretación en el concierto del 12 de octubre en Nueva York, junto con G.E. Smith a la guitarra; Tony Garnier, bajo, y Christopher Parker, a la batería, una banda elemental.
Most Of The Time', Bob Dylan nos sumerge en una reflexión profunda sobre la resiliencia emocional y la lucha interna que acompaña a la superación de una relación pasada. La canción, con su tono melancólico y su lírica introspectiva, explora la dualidad entre la aparente fortaleza y la vulnerabilidad subyacente del narrador. A lo largo de la letra, Dylan repite la frase 'Most of the time' (La mayoría del tiempo), sugiriendo que, aunque el narrador se esfuerza por mantener una fachada de estabilidad y control, hay momentos en los que la pérdida y el dolor resurgen con fuerza.
El uso de metáforas y descripciones detalladas en la canción es notable. Dylan habla de mantener 'ambos pies en el suelo' y 'seguir el camino', lo que simboliza su intento de mantenerse firme y avanzar en la vida. Sin embargo, la repetición de que 'la mayoría del tiempo' puede manejar la situación, pero no siempre, revela una lucha constante con los recuerdos y las emociones no resueltas. La canción también aborda la confusión y la ilusión, indicando que el narrador se esfuerza por no dejarse llevar por fantasías o pensamientos que puedan desestabilizar su aparente calma.
La canción también toca temas de identidad y autoengaño. El narrador menciona que no se engaña a sí mismo ni se esconde de sus sentimientos, lo que sugiere un esfuerzo consciente por enfrentar la realidad, aunque sea dolorosa. Sin embargo, la insistencia en que 'la mayoría del tiempo' no piensa en ella o no le importa si la vuelve a ver, insinúa que hay momentos en los que estos sentimientos reprimidos emergen. Esta lucha interna entre el deseo de olvidar y la persistencia del recuerdo es el núcleo emocional de la canción, haciendo de 'Most Of The Time' una exploración honesta y conmovedora de la condición humana.
Publicada en 1984 por The Smiths, con letra de Morrissey y música de Johnny Marr, es una de las canciones que mejor representan la mezcla de melancolía, humor negro e ironía del grupo.
La canción retrata a una persona profundamente insatisfecha con su vida. No se trata necesariamente de una gran tragedia, sino de algo más cotidiano: levantarse cada día, cumplir con las obligaciones, relacionarse con otras personas y sentir que nada de eso proporciona verdadera felicidad.
El protagonista parece atrapado en una existencia que no le satisface.
Hay tres ideas fundamentales:
La infelicidad cotidiana: el trabajo, las relaciones sociales y las obligaciones se convierten en fuentes de frustración.
La soledad emocional: estar rodeado de gente no significa sentirse comprendido ni acompañado.
La ironía de la felicidad: el protagonista parece preguntarse por qué la vida resulta tan decepcionante cuando, en teoría, debería hacernos felices.
La gran paradoja: ¿por qué somos desgraciados?
Uno de los aspectos más interesantes de la canción es que el protagonista no parece tener una respuesta clara a su infelicidad.
No está describiendo necesariamente una catástrofe concreta. Más bien expresa esa sensación de que la vida que uno lleva no se corresponde con la que había imaginado.
Morrissey consigue que esa tristeza resulte también divertida.
El personaje se lamenta de su situación, pero lo hace con una exageración tan mordaz que terminamos sonriendo.
La canción convierte el sufrimiento personal en una especie de comedia negra.
I was happy in the haze of a drunken hour But heaven knows I'm miserable now I was looking for a job and then I found a job And heaven knows I'm miserable now
In my life, why do I give valuable time To people who don't care if I live or die?
Two lovers entwined pass me by And heaven knows I'm miserable now I was looking for a job and then I found a job And heaven knows I'm miserable now
In my life, oh, why do I give valuable time To people who don't care if I live or die?
What she asked of me at the end of the day Caligula would have blushed "Oh, you've been in the house too long, " she said And I naturally fled
In my life, why do I smile At people who I'd much rather kick in the eye?
I was happy in the haze of a drunken hour But heaven knows I'm miserable now "Oh, you've been in the house too long, " she said And I naturally fled
Este blog es un lugar bajo el Sol donde cobijarse, en el que la amistad es lo más grande de mundo.
Está dedicado al amor que es el carburante de nuestros corazones.
Pasen y vean!
Agradezco a Youtube y a Microsoft todo el interés que han demostrado en la creación de este blog.
